Conoscere l’arte per difenderla meglio

Si dice spesso che l'Italia sia il paese per eccellenza dell'arte, dei monumenti e dei musei. Questo dato di fatto, divenuto ormai un luogo comune piuttosto che un legittimo vanto, dovrebbe sposarsi ad almeno due principali necessità: la conoscenza e la tutela. L'una e l'altra sono strettamente legate fra loro ma si trovano unite invece, nel nostro paese, in un tragico paradosso.

Se è vero che per tutelare il patrimonio artistico e culturale bisogna in primo luogo amarlo e per amarlo conoscerlo, i fondi per la tutela sono invece scarsissimi e vengono sempre più ridotti, mentre nella scuola italiana le ore di insegnamento della storia dell'arte e dei beni culturali sono andate via via assottigliandosi. Eppure l'insegnamento di questa disciplina, ora relegato in secondo piano, è fondamentale per formare nuove generazioni di cittadini oltre che di studiosi e di operatori culturali di cui tanto avremmo bisogno, rendendo viva e attiva la funzione civile e morale dell'arte.

Si rende quindi necessario uno sforzo, da parte degli addetti ai lavori (nel senso più vasto del termine: insegnanti, giornalisti, operatori culturali, intellettuali, artisti...), per invertire questo corso e restituire allo studio e alla conoscenza della storia dell'arte la dignità di una disciplina essenziale nella formazione.
Da 25 anni la rivista "Art e Dossier" cerca di contribuire alla conoscenza del patrimonio artistico – non solo italiano – nella convinzione che una divulgazione accorta, divertente e aperta a differenti punti di vista sia un'opportunità editoriale e al tempo stesso un dovere civile.
Partendo da queste considerazioni e allargando la prospettiva ad alcuni argomenti che rendono particolarmente attuale la storia dell'arte, anche quella del più remoto passato, il convegno vuole offrire spunti, aperture, suggerimenti anche inediti grazie al contributo di studiosi di fama. In modi diversi e in campi diversi, quattro storici dell'arte e un archeologo, appartenenti a tre diverse generazioni – Giorgio Bejor, Michele Dantini, Gloria Fossi, Tomaso Montanari, Claudio Strinati – hanno fatto della storia dell'arte e dell'archeologia la loro ragione di vita. E ci introdurranno nel loro mondo, così vario, appunto, e denso di relazioni con il presente e il futuro, spiegando come sia possibile rendere la storia dell'arte e il suo insegnamento uno strumento di civiltà, per partecipare alla costruzione di un nuovo futuro.

Moderatore:

Claudio Strinati

Relatori:

Tomaso Montanari, La funzione civile dell’arte figurativa
Nato a Firenze nel 1971, è professore associato di Storia dell'arte moderna all'Università di Napoli 'Federico II'. Si è sempre occupato della storia dell’arte romana del XVII secolo, cercando di rispondere alle domande poste dalle opere d’arte con tutti gli strumenti sviluppati nella storia della disciplina: dalla filologia attributiva alla ricerca documentaria, dalla critica delle fonti testuali all’analisi dei significati, ad una interpretazione storico-sociale. Al centro della sua ricerca e delle sue pubblicazioni degli ultimi anni è soprattutto l’arte di Gian Lorenzo Bernini, indagata da molteplici punti di vista. Ha recentemente dedicato un saggio allo stato della storia dell'arte in Italia ("A cosa serve Michelangelo?", Einaudi, 2011). Collabora al "Fatto Quotidiano", a "Saturno" e al "Corriere della Sera" nelle edizioni di Firenze e Napoli.

Claudio Strinati, Collezionismo antico e formazione del museo moderno
Nato a Roma il 17 settembre 1948 è Dirigente Generale di staff storico dell'arte presso il Ministero per i Beni e le Attività culturali. Curatore di mostre e esperto sia in campo museale sia nel settore del restauro e della conservazione ha ideato lo scorso anno la mostra sul Caravaggio alle Scuderie del Quirinale che ha riscosso uno de più grandi successi di pubblico mai registrati in Italia. Ha pubblicato di recente una vasta monografia su Raffaello presso la casa editrice Scripta Maneant e una monografia sul Bronzino presso la casa editrice Viviani.

Giorgio Bejor, Archeologia o Storia dell’arte?

Gloria Fossi, L’artista in viaggio ovvero l’importanza di saper guardare
Storica dell’arte medievale e moderna, si occupa degli intrecci fra arte, letteratura e viaggio, e collabora a varie riviste, fra cui “Art e Dossier”, per la quale ha appena pubblicato il Dossier "Mari del Sud". Autrice e curatrice di libri tradotti in molte lingue (fra cui Firenze, Filippo Lippi, Il Ritratto, Il nudo, Romanico e Gotico, I Grandi Stili) e di una collana di narrativa dedicata all’arte di tutti i tempi (“Doriangray, quando l’arte diventa racconto”), ha fatto del viaggio e dell’arte la sua principale esperienza di vita e di ricerca. Nel campo didattico ha collaborato al manuale di Storia dell’arte per i licei Electa Bruno Mondadori (1987) ed è autrice dei due manuali di storia dell’arte per le scuole medie inferiori della Giunti. È inoltre autrice del catalogo ufficiale delle opere esposte della Galleria degli Uffizi.

Michele Dantini, Arte contemporanea: questioni di metodo
Professore associato di Storia dell’arte contemporanea presso l’Università del Piemonte orientale, Michele Dantini si è laureato e perfezionato presso la Scuola Normale Superiore di Pisa, The Courtauld Institute di Londra, la Eberhard Karls Universität di Tubinga. Visiting professor presso prestigiose università italiane e internazionali, si interessa di scrittura critica e pratiche di mobilità, residenza e viaggio nell'arte contemporanea. Tra le pubblicazioni più recenti: "Pattini a rotelle. Gino De Dominicis laicizzato" (in "Quaderni di scultura contemporanea", 2011); "Ytalia subjecta. Narrazioni identitarie e critica d’arte 1963-2010" (in "Il confine evanescente. Arte italiana 1963-2011", Electa-Maxxi Roma, Milano 2011); "Horses and other herbivores. Modernist Issues and Disputed Identities (in Contemporary Italian Art 1969-2010", Bezalel Academy of Fine Arts, Jerusalem 2010); "Isole, rotoli, promenades" (in "Collezioni", Allemandi-GAM Torino, Torino 2010). Il suo "Diario Namibiano" (e/o, Milano 2003), inchiesta sulle trasformazioni delle abilità tradizionali in Africa australe all'ingresso nel mercato globale, condotta in collaborazione con la National Gallery di Windhoek, è stato finalista del premio Paola Biocca per il reportage. Collabora a "Alfabeta2", "Doppiozero", "Il giornale dell’arte".

Il convegno ha ottenuto l’esonero dal servizio del MIUR prot. N. AOODGPER8072 del 4/10/2011

Con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali

Firenze, Convitto della Calza, Piazza della Calza 6
Ore 10:30 - 17.00
 

Programma

Firenze, Convitto della Calza, Piazza della Calza 6
Ore 10:30 - 17.00

Siamo spiacenti di comunicare che Philippe Daverio non potrà partecipare al convegno. A causa di un intervento chirurgico – peraltro perfettamente riuscito – ha dovuto sospendere tutte le sue attività e necessita di una lunga degenza postoperatoria. Contrariamente a quanto previsto fino a oggi, potrà lasciare l’ospedale non prima della metà di novembre.

• ore 10.30 Registrazione del partecipanti
• ore 11.00 Saluti
• ore 11.15 Presentazione di Claudio Strinati
• ore 11.30 Claudio Strinati, Collezionismo antico e formazione del museo moderno
• ore 12.15 Tomaso Montanari, La funzione civile dell’arte figurativa

• ore 13.00 Light lunch

• ore 14.00 Giorgio Bejor, Archeologia e/o Storia dell’arte antica?
• ore 14.45 Gloria Fossi, L’artista in viaggio ovvero l’importanza di saper guardare
• ore 15.30 Michele Dantini, Arte contemporanea: questioni di metodo
• ore 16.15 Tavola rotonda con i relatori moderata da Claudio Strinati
• ore 16.45 Domande
• ore 17.00 chiusura dei lavori

Il convegno ha ottenuto l’esonero dal servizio del MIUR prot. N. AOODGPER8072 del 4/10/2011

Con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali

I partecipanti al convegno riceveranno un biglietto omaggio per i giorni 11 o 12 novembre da utilizzare a scelta in uno dei musei cittadini

Documenti Scaricabili

Locandina del convegno (PDF)

Programma e coupon per l'iscrizione (PDF)  - da utilizzare in alternativa all'iscrizione online.

Abstract

Gloria Fossi, L'artista in viaggio ovvero l'importanza di saper guardare

Esiste un'infinita varietà di motivazioni e modalità che spingono l'essere umano al viaggio, inteso sia come spostamento fisico sia come esperienza psicologica e mentale. Anche il "viaggio d'artista", da tempo oggetto di indagini specialistiche, ha avuto nei secoli le più diverse motivazioni e modalità. Oggi viaggiare è semplice: grazie all'aereo in poche ore si raggiungono mete lontane. Invece, fino a un secolo fa il viaggio era di per sé un'esperienza, e ci si domanda quanto già il lungo cammino, a piedi, a cavallo, per nave, ancor prima del raggiungimento della meta, sia stato esperienza fondamentale per la creatività artistica.
Ripercorrere alcune importanti episodi dell'artista in viaggio attraverso i secoli e le culture, (dagli anonimi scultori di epoca romanica a Giotto, Brunelleschi e Donatello, da Durer a Leonardo, da Gauguin a Nolde, da Matisse a Alighiero Boetti), aiuta a comprendere come noi stessi e le più giovani generazioni possiamo fare di questa pratica, concreta o a tavolino, una insolita esperienza di conoscenza anche nel campo della storia dell'arte.

Claudio Strinati, Collezionismo antico e formazione del museo moderno

Fin dall'antichità classica è esistito quello che oggi chiamiamo il collezionismo e sempre c'è stata una connessione tra il collezionismo privato e l'origine delle raccolte pubbliche d'arte, fin dal tempo dei trofei di guerra che potevano diventare in parte possesso stabile delle famiglie dei conquistatori ma in parte anche patrimonio pubblico teso a conservare la memoria del dominio politico attraverso il frutto più maturo della umana creatività, cioè appunto, l'arte. Ma c'è stato un momento di svolta ben preciso che prelude alla genesi del museo moderno, sia dal punto di vista concettuale sia da quello fisico. Tale momento coincide con il diciassettesimo secolo. Si può dimostrare che nel Seicento italiano nasce quella forma di critica e storia dell'arte che arriva, pressoché intatta anche se enormemente arricchita, fino a noi e che è ancora adesso il riferimento essenziale degli studi in questo settore. Da quel momento il collezionismo acquista una coscienza e una modalità di attuazione che realmente segnano la nascita di quella mentalità che porterà alla costituzione del concetto di museo pubblico ancora in larga parte vigente in qualunque parte del mondo.

Michele Dantini, Arte contemporanea: questioni di metodo

L'intervento desidera suggerire opportunità e criteri di "accesso" visivi alle opere di arte contemporanea. Opere e contesti di opere che si credono inespugnabili o "teorici" si rivelano commenti ironici e brillanti, momenti aforistici, acutezze allegoriche. Ciascuno può ricostruire le narrazioni che gli artisti affidano alle immagini: a patto tuttavia di disporre di codici e tradizioni specifiche.

Giorgio Bejor, Archeologia e/o Storia dell'arte antica?

Sono cose diverse o due facce della stessa medaglia? E se è valida la seconda, come oggi la maggioranza crede, e anch'io credo, quale è il loro rapporto con l'insegnamento per diventare un cittadino consapevole? Può essere sempre la Storia dell'arte antica una forma preferenziale per conoscere il passato, e convivere vantaggiosamente con l'antico?

Tomaso Montanari, La funzione civile dell'arte figurativa

Il culto dell’arte del passato non è mai stato tanto diffuso quanto oggi. Ma quale storia dell’arte è stata innalzata sull’altare? E chi raccoglie davvero i frutti di questa venerazione: le masse dei fedeli che sciamano nei templi o gli avidi sacerdoti che ne gestiscono i riti? A chi serve, e a cosa serve, la storia dell’arte? La storia dell’arte è ormai universalmente associata al disimpegno e al divertimento: sui giornali se ne parla solo per pubblicizzarne gli ‘eventi’, all’università è ridotta a disciplina ausiliare della cosiddetta scienza del turismo, e nell’immaginario collettivo la si ritiene (nel migliore dei casi) un anestetico di lusso, cioè una via di fuga verso le ‘cose belle’ che consentono di non pensare alla ‘brutta realtà’. Ma nella tradizione italiana, e prima ancora in quella classica, l’arte figurativa non è mai stata un fatto privato, né tantomeno un’evasione nella neutralità morale dell’estetica: almeno quanto la letteratura, l’arte ha invece strutturato e rappresentato il pensiero e l’identità civile del nostro Paese. Chi passeggia per Piazza della Signoria, a Firenze, avverte che la bellezza che lo circonda è inseparabile dal senso di cittadinanza, di giustizia e di vita morale che quasi informano ogni pietra e ogni statua. E – da Leon Battista Alberti a Giorgio Vasari, da Giovan Pietro Bellori a Luigi Lanzi, a Roberto Longhi – il discorso sull’arte è sempre stato un discorso sull’interesse pubblico, non sull’intrattenimento privato: una altissima linea plurisecolare che è sfociata nella Costituzione, grazie alla quale la Repubblica «tutela il paesaggio e il patrimonio storico e artistico della Nazione». Con nuova solennità, il dettato costituzionale ha dunque riconsegnato alla storia dell’arte il suo antico ruolo: quello di contribuire alla costruzione del futuro tenendo viva e attiva la funzione civile e morale dell’arte del passato. In altre parole, tutelare davvero «il patrimonio storico e artistico della Nazione» vuol dire insegnarne il linguaggio ed il significato ad ogni nuova generazione. Se vogliamo salvare il nostro patrimonio artistico, prima ancora che parlare di fondi, leggi, manutenzione e competenze tecniche dobbiamo chiederci a cosa serve quel patrimonio: qual è, cioè, il ruolo dell’arte del passato nel mondo di oggi.

Gli interventi

Una selezione degli interventi per trovare stimoli, approfondimenti e riflessioni da utilizzare in classe.

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Contatti

Puoi contattare la segreteria del convegno:

• via mail a conoscerelarte@giunti.it
• per telefono allo 055 50 62 617